With a different look, Eggers tries to adapt already knwon Nosferatu story

With a different look, Eggers tries to adapt 

already knwon Nosferatu history

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Robert Eggers emerged as one of the most talented directors of the new generation of terror. The greatest exemples are their first two films, in which it develops his style - which would call folk -gothic terror. In Nosferatu, classic of Terror Murnau, Eggers tries to adapt the story “Demoniac Fairy Tale” to the construction of its traditional atmospheres in a portrait. There is a visible melancholy in Eggers cinema, an element literally represented in Nosferatu by protagonist Ellen Hutter (Lili-Rose Depp).

There is no doubt about Eggers' skill, in Nosferatu proven again, to create visually impactful sequences, as well as Nosferatu`s technical work of photography and scene design: there are attention in every detail. It should be highlighted the protagonist, Lili-Rose Depp, given the difficulties in the interpretation of the character; and her husband, lived by Nicholas Hoult. It is up to him to face Nosferatu and convey apprehension, fear, perplexity; his expression in reaction work is effective for the plot.

There is also Bill Skarsgård's effort to turn his appearance and voice into something of terror. The actor trained with an opera singer to reach a macabre tone, a fact that is evident in the first speech of the character. Emma Corin is efficient in her role, and regarding Willem Dafoe, good acting is not new, even in smaller parts like this.

The question with Nosferatu de Eggers, and in my assessment something that bothered me, is the excesses: I refer to redundant, exaggerated constructions, resulting in a distance from history. It is not enough for the movie to be dark, it has made the colors, a dark song, the story must be in the dark most of the time, in the sparkle light, all right to protocol. The dialogues are also quite illustrative.

In contrast to the first two films, Eggers decides to tell the story more traditionally: it seems that the mysterious content of the atmosphere gives way to a more illustrative narrative, close to the traditional mainstream. Of course, it draws attention and causes a strangeness also to choose the director to represent Count Orlok, Nosferatu himself, quite differently, bringing him closer to a "monster.

There is a diversity of references in the film beyond the story of Murnau. Two of the most evident are Possession (1981), by Andrzej żuławski, and the exorcist (1973), by William Friedkin. Other than that, one can notice very screaming similarities with the witch, Eggers' first movie, although within a story of romance.

The truth is that Eggers tries so hard to "adapt" Nosferatu, that certain sequences are forced within the plot. If it can reach tension levels in the construction of some situations, there are others where the tone seems somewhat lost. Nosferatu then turns out to be a story of romance with moments of exaggeration (bordering on Breguice); But, on the other hand, it shows hits of those who appeared as one of the most talented filmmakers of recent terror.

    Robert Eggers surgiu como um dos mais talentosos diretores da nova geração do terror. Prova disso são os seus dois primeiros filmes, nos quais desenvolve seu estilo - ao qual chamaria de terror folk-gótico. Em Nosferatu, clássico do terror Murnau, Eggers tenta adaptar a história “conto de fadas demoníaco” à construção de suas tradicionais atmosferas num soturno retrato de época. Há visivelmente algo de melancólico no cinema de Eggers, elemento representado de forma literal em Nosferatu pela protagonista Ellen Hutter (Lili-Rose Depp). 

Não há dúvidas da capacidade de Eggers, em Nosferatu comprovada novamente, de criar sequências visualmente impactantes, além de todo trabalho técnico de fotografia e design de cena: nota-se a atenção a cada detalhe. Deve-se destacar a protagonista, Lili-Rose Depp, diante das dificuldades na interpretação da personagem; e seu marido, vivido por Nicholas Hoult. A ele cabe encarar Nosferatu e transmitir apreensão, medo, perplexidade; sua expressão no trabalho de reação é eficaz para a trama.  

Nota-se ainda o esforço de Bill Skarsgård para transformar sua aparência e sua voz em algo de terror. O ator treinou com um cantor de ópera para chegar a um tom macabro, fato que fica evidente logo na primeira fala do personagem. Emma Corrin está eficiente no seu papel, e com relação à Willem Dafoe, já não é novidade a boa atuação, mesmo em papéis menores como esse. 

A questão com Nosferatu de Eggers, e na minha avaliação algo que me incomodou, são os excessos na construção das sequências do filme: refiro-me a construções redundantes, exageradas, resultando num distanciamento da história. Não basta o filme ser sombrio, ele ter dessaturado as cores, uma música sombria, a história deve se passar no escuro a maioria do tempo, na penumbra à luz de velas, tudo bem protocolar. Os diálogos também são bem ilustrativos.   

Em contraste com os dois primeiros filmes, Eggers resolve contar a história de maneira mais tradicional: parece que o teor misterioso da atmosfera dá lugar a uma narrativa mais ilustrativa, próxima ao tradicional “mainstream”. Claro, chama atenção e causa um estranhamento também a escolha do diretor em representar o conde Orlok, o próprio Nosferatu, de maneira bem diferente, aproximando-o de um “monstro”. 

Há uma diversidade de referências no filme além da história de Murnau. Duas das mais evidentes são Possessão (1981), de Andrzej Żuławski, e O Exorcista (1973), de William Friedkin. Fora isso, pode-se notar similaridades bem gritantes com A Bruxa, primeiro filme de Eggers, embora dentro de uma história de romance. 

A verdade é que Eggers não é tão feliz na tentativa de “adaptar” Nosferatu, forçando certas sequências dentro da trama. Se ele consegue atingir níveis de tensão na construção de algumas situações, há outras em que o tom parece um tanto perdido. Nosferatu acaba, então, se transformado numa história de romance com momentos de exagero (beirando à breguice); mas, por outro lado, mostra acertos de quem apareceu como um dos mais talentosos cineastas do terror recente. 

Knox goes away: Michael Keaton is his brand

It is undeniable the importance of Michael Keaton to the cinema and his contribution with several remarkable interpretations. In a pact of redemption, his second work in the direction (the first was bad company, 2008), Keaton bets on the thriller/crime drama, dedicated almost exclusively to his character. In addition to it, the production also features participation, for example, James Marsden (Miles Knox) ​​of the most prominent and who plays Keaton's son; and Al Pacino, as a kind of mentor and predecessor of the protagonist in the criminal organization.

In redemption pact, a very recurring approach in crime films: the discovery of a terminal illness that leads the protagonist to make attitudes and decisions without major concerns about the consequences. However, differently from Christopher Nolan's amnesia, although they both share the theme and the obstacles faced by the protagonist, Keaton bets on a more traditional structure, without temporal jumps, relevant puzzles and ellipses: the viewer knows, along with history, of "guilty" and unfolding

In the redemption pact plot, the Rental Matador John Knox (Michael Keaton) discovers having a kind of deteriorating dementia progressing in a rapidly progressing way. Then comes the opportunity to "approach" with his son, Miles (James Marsden), when he knocks on his door requesting help.

As the title translation suggests, the motivator of history is another "redemption" for the construction of this lost "time" relationship, in which father and son discover their similarities when trying to rescue the lost bond. Redemption pact has “time” as a special theme and explained in the first scene, when John, when collecting his belongings, lasts the clock, Leitmotiv for history.

Redemption Pact Development bets on the charisma and name of Michael Keaton to engage the viewer in history. It is up to him much of the dilemmas proposed by the plot, more concerned with highlighting the protagonist's friendship and kinship relations, a rent killer determined to end his career.

Keaton's fans, a pact of redemption is a chance to see him once again in action, in a personal "rehabilitation" story, keeping similarities with Glenn Caron's past (1988) brands (1988). There is once again the idea of ​​“exorcation of their demons”, of a character tormented in search of hitting the accounts, in this case with his son's story.

Keaton delivers competent performance, although Al Pacino seems to be inserted in the plot somewhat forced, so brief and utilitarian that his participation is. Regarding the plot, Redemption Pact shows several script facilitators and the development of history is weakened. The police investigation part, for example, is very busy and confused at various times, seeming conveniently to serve the protagonist's purposes.

With moments of intrigue and tension proposed by impasses for the main character, the suspense is also built by the deterioration of memory and the consequent removal of the work of a rent killer. Reflecting on losses and friendships, the film gains symbolic character by seeking in the affective trajectory of the character one of its bases.

Then appears the family drama as a highlight for searching for an outcome. In this development, the police plot is set aside, and the sentimental dimension takes the story. This is how, demonstrating some confusion in its development, redemption pact invests in Knox bonds, gaining in some ways, but no doubt losing in others.

foto divulgação

      

It is undeniable the importance of Michael Keaton to the cinema and his contribution with several remarkable interpretations. In Knox goes away, his second work in the direction, Keaton bets on the thriller/crime drama, dedicated almost exclusively to his character. In addition to it, the production also features participation, for example, of James Marsden (Miles Knox) ​​of the most prominent and who plays Keaton's son; and Al Pacino, as a kind of mentor and predecessor of the protagonist in the criminal organization.

In Knox goes away, a very recurring approach in crime films: the discovery of a terminal illness that leads the protagonist to make attitudes and decisions without major concerns about the consequences. However, differently from Christopher Nolan's Amnesia, although they both share the theme and the obstacles faced by the protagonist, Keaton bets on a more traditional structure, without temporal jumps, relevant puzzles and ellipses: the viewer knows, along with history, of "guilty" and unfolding

In the redemption pact plot, the Rental Matador John Knox (Michael Keaton) discovers having a kind of deteriorating dementia progressing in a rapidly progressing way. Then comes the opportunity to "approach" with his son, Miles (James Marsden), when he knocks on his door requesting help.

As the title translation suggests, the motivator of history is another "redemption" for the construction of this lost "time" relationship, in which father and son discover their similarities when trying to rescue the lost bond. Redemption pact has “time” as a special theme and explained in the first scene, when John, when collecting his belongings, lasts the clock, Leitmotiv for history.

Knox goes away Development bets on the charisma and name of Michael Keaton to engage the viewer in history. It is up to him much of the dilemmas proposed by the plot, more concerned with highlighting the protagonist's friendship and kinship relations, a rent killer determined to end his career.

For Keaton's fans, Knox goes away is a chance to see him once again in action, in a personal "rehabilitation" story. There is once again the idea of ​​“exorcation of their demons”, of a character tormented in search of hitting the accounts, in this case with his son's story.

Keaton delivers competent performance, although Al Pacino seems to be inserted in the plot somewhat forced, so brief and utilitarian that his participation is. Regarding the plot, Redemption Pact shows several script facilitators and the development of history is weakened. The police investigation part, for example, is confused at various times, seeming conveniently to serve the protagonist's purposes.

With moments of intrigue and tension proposed by impasses for the main character, the suspense is also built by the deterioration of memory and the consequent removal of the work of a rent killer. Reflecting on losses and friendships, the film gains symbolic character by seeking in the affective trajectory of the character one of its bases.

Then appears the family drama as a highlight for searching for an outcome. In this development, the police plot is set aside, and the sentimental dimension takes the story. This is how, demonstrating some confusion in its development, Knox goes away invests in Knox bonds, gaining in some ways, but no doubt losing in others.

Pacto de Redenção: Michael Keaton aposta na sua grife 

É inegável a importância de Michael Keaton para o cinema e sua contribuição com diversas interpretações marcantes. Em Pacto de Redenção, seu segundo trabalho na direção (o primeiro foi Má Companhia, de 2008), Keaton aposta no thriller/drama de crime, dedicado quase exclusivamente ao seu personagem. Além dele, a produção conta ainda com participações de, por exemplo, James Marsden (Miles Knox) de mais destaque e que interpreta o filho do Keaton; e Al Pacino, como espécie de mentor e antecessor do protagonista na organização criminosa.   

    Tem-se, em Pacto de Redenção, uma abordagem bem recorrente em filmes de crime: a descoberta de uma doença terminal que leva o protagonista a tomar atitudes e decisões sem maiores preocupações com as consequências. Entretanto, de forma distinta de Amnésia, de Christopher Nolan, embora ambos compartilhem a temática e os obstáculos enfrentados pelo protagonista, Keaton aposta numa estrutura mais tradicional, sem saltos temporais, enigmas e elipses relevantes: o espectador sabe, junto com a história, de “culpados” e desdobramentos

    Na trama de Pacto de Redenção, o matador de aluguel John Knox (Michael Keaton) descobre ter uma espécie de demência deteriorante progredindo de forma acelerada. Surge então a oportunidade de “aproximação” com o seu filho, Miles (James Marsden), quando este bate a sua porta solicitando ajuda.   

Como a tradução do título sugere, o motivador da história é mais uma “redenção” pela construção dessa relação de “tempo” perdido, na qual pai e filho descobrem suas similaridades ao tentar resgatar o vínculo perdido. Pacto de Redenção tem o “tempo” como tema especial e explicitado logo na primeira cena, quando John, ao recolher os seus pertences, deixa por último o relógio, o leitmotiv para a história. 

O desenvolvimento de Pacto de Redenção aposta no carisma e no nome de Michael Keaton para engajar o espectador na história. Cabe a ele boa parte dos dilemas propostos pela trama, mais preocupada em destacar as relações de amizade e parentesco do protagonista, um matador de aluguel decidido a encerrar a carreira. 

Aos fãs de Keaton, Pacto de Redenção é uma chance de vê-lo mais uma vez em ação, em uma história de “reabilitação” pessoal, guardando similaridades com Marcas do Passado (1988), de Glenn Caron. Há mais uma vez aqui a ideia de “exorcizar os seus demônios”, de um personagem atormentado em busca de acertar as contas, nesse caso com a sua história do filho.   

  

Keaton entrega uma atuação competente, embora Al Pacino pareça inserido na trama de forma um tanto forçada, de tão breve e utilitarista que é a sua participação. No que se refere à trama, Pacto de Redenção mostra diversos facilitadores de roteiro e o desenvolvimento da história fica enfraquecido. A parte de investigação da polícia, por exemplo, é muito corrida e confusa em diversos momentos, parecendo de forma conveniente servir aos propósitos do protagonista. 

Com momentos de intriga e tensão propostos por impasses para o personagem principal, o suspense também se constrói pela deterioração de memória e o consequente afastamento do trabalho de matador de aluguel. Refletindo sobre perdas e amizades, o filme ganha caráter simbólico ao buscar na trajetória afetiva do personagem uma das suas bases. 

Aparece, então, o drama familiar como um destaque para busca de um desfecho. Nesse desenvolvimento, a trama policial é deixada de lado, e a dimensão sentimental toma a história. É assim que, demonstrando certa confusão em seu desenvolvimento, Pacto de Redenção investe nos vínculos de Knox, ganhando em alguns aspectos, mas sem dúvida perdendo em outros. 

 

Aos Olhos de Ernesto

  Aos Olhos de Ernesto: um olhar poético sobre a potencialidade das relações humanas. 

O bom longa de Ana Azevedo aproxima o espectador do personagem principal, Ernesto, de forma afetiva, ao representar com um tom sensível, e até cômico, as relações que o cercam.

 

 

 

Pode-se argumentar que há certa inocência em Aos Olhos de Ernesto. Entretanto, que aposta nas relações entre os personagens do filme de Ana Luiza Azevedo. Existe sim um pacto estabelecido, mesmo que de forma silenciosa, entre Ernesto (Jorge Bolani) e os que o cercam. Forma-se, dentro daquele pequeno universo, um olhar sensível para o personagem principal e as pessoas que se engajam com ele: em suas diferenças, potencializa-se o encontro.  

Começamos acompanhando um desconforto de Ernesto com a situação de ter que vender o seu apartamento. A relação dele com aquele espaço é, aos poucos, apresentada ao espectador e até bem desenvolvida pela direção.  É nesse cenário que conhecemos Ernesto: um idoso que mora sozinho e recebe a visita da faxineira. 

O abandono e o descaso seriam um caminho para propor o tema do desrespeito social da velhice no Brasil (como no momento em que ele vai buscar a sua aposentadoria e descobre que o valor é menor do que o esperado). No entanto, Aos Olhos de Ernesto toma outro rumo que, em si, não é demérito: ele aposta nas relações por meio de um olhar poético.

O destaque fica para as trocas entre os personagens, carregadas de poesia, de reflexão, e também humor. A comunicação de Ernesto com a personagem Bia (Gabriela Poester) dita o tom de contraste estabelecido entre ambos; o que serve, ao mesmo tempo, como encontro. As diferenças que os separam, ou seja, o vocabulário e a geração, acabam sendo um forte elemento de união e de afeto entre os dois nas suas vidas solitárias. Ernesto e Bia parecem se entender nesse caminho. 

Acrescenta-se a isso as visitas constantes do vizinho argentino (George D´Élia), outro “invasor” que costuma ler as notícias para Ernesto, já que ele tem uma cegueira crescente. Reside, então, nessas possibilidades de troca, toda a poesia do filme.